Am Freitag, den 18. Mai 2012 stellen sich unter dem Titel Mobilising Communities vier Communities im Betahaus vor. Die Projekte sind unterschiedlich, und haben doch etwas gemeinsam: die “just do it”-Mentalität und den Anspruch, Menschen zu animieren aktiv zu werden, kreativ zu sein und etwas zu verändern. Anlass für BerlinDesignBlog endlich die Kategorie Social Design ins Leben zu rufen.

Im Anschluss an die Präsentation und Diskussion kann man sich bei Fingerfood & Kaltgetränk mit den anderen Gästen und Communities austauschen, vernetzen und an unserem DIY-Stand inspirieren lassen oder gleich selbst kreativ werden.

Die vier Projekte sind: DaWanda ist Europas größter Online-Markplatz für selbstgemachte Unikate von Designern und Kreativen. Die SOZIALHELDEN lösen gesellschaftliche Probleme durch kreative Ideen. Zu ihren Projekten gehören zum Beispiel die Wheelmap und Pfandtastisch helfen. Das Craftivist Collective aus London verbindet künstlerische Aktionen mit sozialen Botschaften. Stadtgarten.org ist eine internetbasierte Plattform, die den gemeinschaftlichen Eigenanbau von Obst und Gemüse durch eine Gruppe von Privatpersonen unterstützt.

Die Plätze sind begrenzt. Bitte akkreditiere Dich daher bis Dienstag, den 15. Mai unter: mobilisingcommunities(at)dawanda.com

Ablauf:
Vorstellung der Initiativen (Anna Neumann und Jana Würfel für DaWanda, Raul Krauthausen für die SOZIALHELDEN, Sarah Corbett für das Craftivist Collective, Justin Buckley für Stadtgarten und Mundraub.org)
Gesprächsrunde (englisch): „Social DIY – bringing people together in creative ways “, moderiert von Azra Ahmed, DaWanda
Get-together, Snacks & Drinks, selbst kreativ werden am DIY-Stand

Zeit:
Freitag, den 18. Mai 2012
Einlass: 18.30 Uhr
Beginn: 19 Uhr
Programmende: ca. 20.30 Uhr, danach Get-together

Ort:
Betahaus
Prinzessinnenstr. 19-20
10969 Berlin

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Die Konferenz der digitalen Wirtschaft in Europa NEXT Berlin beschließt am 8. und 9. Mai 2012 die Berlin Web Week in der STATION-Berlin.

Über 100 Top-Referenten aus Wirtschaft, Politik und Gesellschaft werden den Wandel, den digitale Technologien auf Märkte und in den Medien verursacht haben, kommentieren, ihre Strategien und Innovationen präsentieren und einen Blick in die Zukunft wagen.

Knapp 100 Start-ups, die ihr Produkt oder ihre Idee live auf der NEXT Bühne präsentieren wollen, haben sich beim Start-up-Pitch beworben. Die NEXT-Community konnte online für ihre Favoriten stimmen. Die Kandidaten mit den meisten Stimmen können es nun unter die 12 Kandidaten schaffen, die die NEXT-Jury dazu auswählt, sich im Live-Wettbewerb auf der Konferenz messen zu dürfen. Eine Fachjury wird die Präsentationen der Start-ups beurteilen und dem Gewinner am Abend des 8. Mai ein Start-up-Pitch Package im Wert von 10.000 Euro überreichen.

Hier gibt es das Programm der Konferenz.

Ort:
STATION-Berlin
Luckenwalder Straße 4-6
10963 Berlin (Kreuzberg)

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Seit letzter Woche und noch bis zum 29. Juli 2012 präsentiert das Deutsche Historische Museum in der Ausstellung Fashioning Fashion – Europäische Moden 1700–1915 exklusiv in Deutschland eine einzigartige Sammlung historischer Kleider des Los Angeles County Museum of Art.

In der eigens für Berlin entworfenen Ausstellungsarchitektur des renommierten belgischen Szenografen Bob Verhelst sind mehr als 200 Jahre europäischer Modegeschichte ausgebreitet. Glamouröse Damenkostüme und elegante Herrenanzüge treffen auf aufwendig gearbeitete Accessoires. Zu sehen sind prachtvolle Kleider des wohlhabenden Bürgertums und des Adels, darunter Highlights, wie das goldbestickte Kleid einer portugiesischen Königin oder der Turban des Designers Paul Poiret. Präsentiert werden faszinierende Gewebe, raffinierte Schnitte und kostbarer Dekor.

Fashioning fashion setzt auch modische Akzente in der Ständigen Ausstellung des Deutschen Historischen Museums: 25 textile Kostbarkeiten der Sonderschau ermöglichen die Begegnung mit historischem Stoff: Gemälde, Grafiken, Modeblätter und Porzellanfiguren sind im Obergeschoß des Zeughauses zu entdecken. Auf grellgrüner Spur stellt Fokus fashion die Exponate in einen mode- und kulturhistorischen Kontext.

Mit einem vielfältigen Rahmenprogramm werden Interessierte in die Welt der Mode entführt. Das Zeughauskino beginnt mit The Private Life of Henry VIII. am 9. Juni 2012 eine historische Kostümfilmreihe, junge Modeschöpfer präsentieren ihre Kollektionen im Museum und Vorträge geben vertiefende Einblicke in die Modegeschichte.

Ort:
Deutsches Historisches Museum
Ausstellungshalle
Unter den Linden
10117 Berlin

Öffnungszeiten:
täglich 10 bis 18 Uhr

Foto:
Weste, Ausschnitt
Frankreich, 1789–94
Leinenkanevas mit Seidenstickerei; Besatz: Leinwand mit Seidenflorkettfäden, Seidenstickerei
© 2010 Museum Associates/LACMA

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ARCHIZINES feiert das gegenwärtig weltweite Aufleben alternativen und unbabhängigen Publizierens über Architektur. Die Wanderausstellung, kuratiert von Elias Redstone und initiiert mit der Architectural Association, präsentiert vom 26. April bis 26. Mai 2012 achtzig Architekturmagazine, Fanzines und Journale aus über zwanzig Ländern im Reading Room von “do you read me?!”.

Herausgegeben von Architekten, Künstlern und Studenten bieten die im Mittelpunkt stehenden Publikationen neue Foren des Kommentierens, Kritisierens und Erforschens unserer Lebensräume und der Architektur. Sie liefern einen wichtigen und oft radikalen Beitrag zum architektonischen Diskurs und legen darüber hinaus eine, auch in unserem digitalen Zeitalter andauernde, Liebe zu Printmedien an den Tag.

ARCHIZINES wurde 2011 als Online Recherche Projekt, unter Artdirektion von Folch Studio, ins Leben gerufen um der gegenwärtigen Phase publizistischer Aktivität eine Plattform zu geben. Die Ausstellung zeigt Titel der Sammlung, sowie Videointerviews mit ihren Herausgebern über die Beziehung zwischen Architektur und dem Publizieren darüber. Ein begleitender, von Bedford Press herausgegebener Katalog lotet die Themen der Ausstellung durch vertiefende Essays und Texte weiter aus.

Zur Feier der Ausstellungseröffnung findet ARCHIZINES LIVE, eine Gesprächsrunde zu neuen Ansätzen des Publizierens über Architektur im Reading Room statt. Carson Chan und Elias Redstone werden die Diskussion mit Martin Pohl und Jonas Malzahn (Horizonte), Katja Gretzinger (Candide), Kai von Rabenau (Mono.Kultur) und Robert Wilson (Block) am Samstag, dem 28. April leiten.

Ort:
do you read me?!
Reading Room & Shop
Potsdamer Strasse 98
10785 Berlin-Tiergarten

Zeit:
Eröffnung und ARCHIZINES LIVE am Samstag, den 28. April, 17 Uhr
Öffnungszeiten: Donnerstag bis Samstag: 12 – 18 Uhr

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Das Werkbundarchiv – Museum der Dinge zeigt in der Ausstellung Schreiben & Bauen vom 27. April bis 30. Juli 2012 den Nachlass des Berliner Architekten und Kulturreformers Hermann Muthesius.

Die Archivalien dienen als Zeugnisse der Lebensstationen und Werke des Werkbundmitbegründers Hermann Muthesius. Bisher unveröffentlichte Manuskripte zeigen sein Wirken als preußischer Staatsbeamter. Die Privatperson Hermann Muthesius wird durch Stimmen aus seiner Familie gegenwärtig.

Hermann Muthesius arbeitete von 1887 bis 1891 als Architekt in Japan. Nach seiner Rückkehr nach Berlin trat er in den preußischen Staatsdienst ein und war ab 1896 für sieben Jahre technischer Attaché an der deutschen Botschaft in London. Anschließend reformierte er als Landesgewerberat das gewerbliche Schulwesen in Preußen. Gemeinsam mit anderen Werkbundmitgliedern suchte er nach einem neuen Verhältnis zwischen Kultur und Ökonomie. Als Architekt schuf er zahlreiche Landhausbauten.

In der Ausstellung wird die evangelische Kirche in Tokio dokumentiert, die den Anfang seiner Entwicklung als Architekt im Historismus markiert. Sein eigenes Wohnhaus in Berlin-Nikolassee zeigt ihn als Wegbereiter der Moderne.

Schreiben und Bauen bestimmten das Schaffen von Hermann Muthesius. Rund 8000 erhaltene Briefe bilden den Schwerpunkt des Nachlasses. Sie sind der Beweis für seine Vernetzung mit den wichtigsten Akteuren der englischen und deutschen Reformkultur um 1900. Im Zentrum der Ausstellung stehen die Briefwechsel mit Richard Riemerschmid, Mackay Hugh Baillie Scott, Charles Rennie Mackintosh und Großherzog Carl-Alexander von Sachsen-Weimar und Eisenach.

Der Nachlass von Hermann Muthesius hat seine eigene Geschichte. Die Dokumente gingen durch viele Hände. Das Material wird ständig bearbeitet. Auch die Lücken und Fehlstellen können viel erzählen. Der Nachlass ist nicht nur die Lebensspur eines Einzelnen. Er weist über die Person Hermann Muthesius hinaus und ist Teil des kulturellen Gedächtnisses.

Die Ausstellung bietet den Besuchern verschiedene thematische Zugänge zu Hermann Muthesius: seine Biografie, seine Vernetzung, sein Werk. Der Einblick in den Nachlass weckt den Forschergeist und lädt ein, den Spuren im Archiv zu folgen.

Zeit:
Eröffnung: 26. April 2012, 19:00 Uhr
Öffnungszeiten:
Montag, Freitag, Samstag, Sonntag 12 – 19 Uhr
Dienstag, Mittwoch, geschlossen
Donnerstag, vormittags, nur nach Anmeldung +49 (0)30 / 92 10 63 -11
Christi Himmelfahrt und Pfingsten: Freitag – Montag, 12-19 Uhr

Ort:
Werkbundarchiv – Museum der Dinge
Oranienstraße 25
10999 Berlin

Mehr vom Werkbundarchiv auf BerlinDesignBlog

Bild:
Handlauf der Haupttreppe im Haus Muthesius in Berlin-Nikolassee,
Foto: Armin Herrmann, Werkbundarchiv – Museum der Dinge

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Vom 26. April bis zum 3. Juni 2012 zeigt Gestalten in der Ausstellung Tokyo Art Directors Club Award 2011- The Best of Japanese Communication Design preisgekrönte japanische Werbe- und Kommunikationsgestaltung.

Mit seiner Jury von 75 führenden Art Directors ist der Tokyo Art Directors Club Award (ADC Award) ein Zeichen kreativer Höchstleistung. Jetzt, in seinem 60. Jahr, setzt dieser Preis immer noch den Standard für die Gestaltung von Werbung und Kommunikationsdesign in Japan.

Nachdem der ADC Award 2011 zunächst in Tokio und Osaka, sowie im Museum für Angewandte Kunst Frankfurt gezeigt wurde, bietet Gestalten nun die Gelegenheit, die Raffinesse japanischen Kommunikationsdesigns erstmals auch in Berlin zu erfahren. Die versammelten, preisgekrönten und nominierten Arbeiten machen die Speerspitze der japanischen Innovation in der Werbung, interaktiven Medien, Grafikdesign, Editorial Design, Verpackungsdesign, Fotografie und Illustration aus.

Die Auswahl der Ausstellung wurde in enger Zusammenarbeit mit dem Tokyo ADC vorgenommen. Sie wurde mitorganisiert von der DNP Foundation for Cultural Promotion und unterstützt durch die ggg Gallery und Creation Gallery 8 in Tokio sowie ddd Gallery in Osaka.

Anmeldung über facebook

Zeit:
26.4. – 3.6.2012
Eröffnung: 26. April 2012, 18 – 21 Uhr

Ort:
Gestalten Space
Sophie-Gips-Höfe
Sophienstraße 21
10178 Berlin

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Die Kunstbibliothek am Kulturforum zeigt noch bis zum 28. Mai 2012 die Ausstellung Dodo (1907-1998) – ein Leben in Bildern mit Grafiken und Illustrationen der Künstlerin aus der Sammlung Modebild der Lipperheideschen Kostümbibliothek.

Die Wiederentdeckung dieser Künstlerin der „verlorenen Generation“ ist das Ausstellungshighlight der Sammlung Modebild im Jahr 2012. Auf ca. 300 m² Ausstellungsfläche inszeniert die Kunstbibliothek am Berliner Kulturforum die Ausstellung „Dodo (1907-1998) – ein Leben in Bildern“. Gezeigt werden ca. 120 grafische Arbeiten aus allen Lebensphasen: mondäne Modegrafik, glamourös-plakative Illustrationen für die Zeitschrift Ulk, die „unbewussten“ Bilder aus der Zeit ihrer Zürcher Psychoanalyse, Illustrationen für jüdische Zeitschriften sowie ausgewählte Arbeiten aus dem Londoner Exil. Damit werden Einblicke in das Leben einer Künstlerin eröffnet, das von stetigen Aufbrüchen und künstlerischen Neufindungen geprägt war.

In Berlin 1907 als Dörte Clara Wolff geboren, entwickelte Dodo schon als junge Frau eine attraktive Anziehungskraft. Sie verfügte über ein kompromissloses Wesen mit intensiven Emotionen. Nach ihrer Ausbildung an der renommierten Schule Reimann in Berlin stieg Dodo ab Herbst 1926 in den Beruf der freien Modeillustratorin ein und baute sich rasch einen festen Kundenkreis auf. Unumstrittener Höhepunkt in Dodos künstlerischem Werk sind die zwischen 1927 und 1929 entstanden Gouachen für das Berliner Unterhaltungsblatt Ulk. Sie arbeitete hier komplexe Kompositionen mit großer atmosphärischer Dichte aus, in neusachlichem Stil und mit ausgesprochen intensiven, leuchtenden Farben. Mit scharfen Linienkonturen verstand es Dodo treffend, den ihr selbst geläufigen kosmopolitischen Lebensstil der späten Zwanziger Jahre als oberflächlich zu entlarven.

In einer privat turbulenten Lebensphase zwischen 1930 und 1937 entstand eine intime Werkgruppe von intensiven, während der 1933 von Dodo durchlebten viermonatigen Zürcher Psychoanalyse teilweise brutalen Zeichnungen, die die enorme Dynamik des therapeutischen Prozesses ebenso sichtbar machen wie Dodos verdrängte persönliche Konflikte und deren tiefere unbewußten Ursachen.

Erst nach 1938 festigte sich Dodos private Situation im Londoner Exil, wo sie eine dauerhafte Heimat fand. Zwar blieb ihr beruflicher Erfolg zeitlebens weit hinter der Berliner Zeit zurück – Illustrationen für Kinderbücher, Glückwunschkarten und Werbegrafiken sind überliefert – doch der Grundton ihres Spätwerks ist harmonisch und geprägt von einer intensiven Auseinandersetzung mit dem Sujet.

Begleitprogramm:

So 13. Mai 2012, 16:00 Uhr
So 27. Mai 2012, 16:00 Uhr
Dodo Wolff – eine neu entdeckte Künstlerin der 20er Jahre – Rundgang durch die Ausstellung
Treffpunkt: Information
Kosten: normale Eintrittskosten
Führung für Erwachsene

Do 24. Mai 2012, 19:00 Uhr
Vortragsreihe im Rahmen der Ausstellung
Embleme des Zeitgeists – Dodos Illustrationen für das Unterhaltungsblatt ULK
Referentin: Miriam-Esther Owesle
Information: 030 266 42 3040
Treffpunkt: Vortragssaal im Kulturforum am Potsdamer Platz
Vortrag für Erwachsene

Ort:
Kunstbibliothek – Staatliche Museen zu Berlin
Matthäikirchplatz
10785 Berlin-Tiergarten

Zeit:
1. März bis 28. Mai 2012
Di – Fr 10 – 18 Uhr
Sa + So 11 – 18 Uhr

Bild:
Dodo Geldfragen für die Zeitschrift Ulk, 1928 Wasserfarben, Grafit, 39,5 x 30,2 cm Leihgabe Dodo Estate, Athen

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Das Berliner Start-up knot*knot macht Kabel zum Designobjekt und bietet eine breite Palette ausgefallener und farbenfroher Kabel, die in liebevoller Handarbeit mit hochwertigen Seilen umknüpft sind.

In einer kleinen Manufaktur im Herzen Berlins werden so aus herkömmlichen Lautsprecher-, Computer- und Verlängerungskabeln, Mehrfachsteckdosen und Leuchtenpendeln freche Interior Design Schmuckstücke. „Die Fertigung erfolgt überwiegend individuell nach Kundenwunsch“, wie Gründer,Geschäftsführer und Diplom-Designer Thade Precht gerne betont. Interessenten können Ihre Artikel einfach und bequem im umfangreichen Online-Shop anhand von Kabeltyp, Kabellänge, Knüpftechnik und Seilfarbe wählen. Sobald eine neue Bestellung eingegangen ist, machen sich die flinken Hände des knot*knot-Teams ans Werk. Die Lieferzeit beträgt auftragsgebunden etwa drei bis fünf Werktage.

Kunden können auf Anfrage aber auch ihre eigenen – wie auch immer gearteten – Produkte einschicken und im knot*knot-Stil umknüpfen lassen. Der Phantasie sind keine Grenzen gesetzt.

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Zum Salone del Mobile Milan präsentiert die Designplattform DMY Berlin die Gruppenausstellung Instant Stories in Ventura Lambrate.

Elf Designer und Studios aus Berlin inszenieren ihre neuesten Produkte und Projekte als Elemente einer umfassenderen Geschichte. In überlebensgroßen Holzkisten schaffen sie Stillleben-Szenerien, die die narrative Qualität der Objekte hervorhebt und diese in einen größeren Kontext stellt. Die Ausstellung wird kuratiert und organisiert von Werner Aisslinger, Fabien Dumas und DMY Berlin.

Die ausstellenden Designer sind Werner Aisslinger, Mark Braun, Heike Buchfelder, Coordination, Fabien Dumas, e27, ett la benn, Oskar Fabian, David Hanauer, Studio Hausen und Hermann August Weizenegger.

Hier gibt es den Ausstellungskatalog.

Ort:
Overlite
Via Privata Oslavia 8
20143 Milan-Lambrate

Öffnungszeiten:
17. – 22. April 2012
Dienstag 10 –20 Uhr
Mittwoch 10 – 22 Uhr
Donnerstag – Sonntag 10 –20 Uhr

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Die Doppelausstellung Juggler’s Notebooks (Notizhefte des Seiltänzers) des renommierten spanischen Grafikdesigners Manuel Estrada ist thematisch unterteilt zeitgleich bei designtransfer an der Universität der Künste Berlin und am Instituto Cervantes zu sehen.

Der Teil der Ausstellung bei designtransfer an der Universität der Künste Berlin trägt den Titel „Von der Idee zum Logo“. Zwei Dutzend großformatige Grafiken zeigen schwarze und weiße Logos, die Estrada für zahllose Organisationen und Firmen entworfen hat. Die Rückseiten der Panels zeigen dem Betrachter Vorentwürfe, die den Entwicklungsprozess bis hin zum fertigen Logo illustrieren.

Der Titel der Ausstellung im Instituto Cervantes ist „Von der Idee zum Buchcover”. Ausgelotet wird hier der Schaffensprozess der Erstellung von Buch- und Magazincovern als kreativer Kern verlegerischen Designs. Durch Dutzende Skizzenbücher hindurch kann der Besucher dem Weg von der Idee bis zum fertigen Produkt folgen. Dabei wird die wichtige Rolle von Symbolen und Bildern verdeutlicht und der intensive Prozess, der dem Entstehen von Buchcovern vorausgeht, erfahrbar gemacht. Das Buchcover als Fenster, durch das man an den Inhalt des Buches gelangt oder durch das der Inhalt nach draußen dringen kann.

Manuel Estrada wird ausserdem mit Studierenden der UdK Berlin einen 2-tägigen Workshop “Reason, Instinct and Design” durchführen, dessen Thema und Ergebnisse in einer Abendveranstaltung am 27. April bei designtransfer präsentiert werden.

2010 begann Estrada als “work in progress“ mit der Ausstellung „Donde Nacen las Ideas. Cuardernos del Equilibrista“ (Wo die Ideen geboren werden. Notizhefte des Seiltänzers) am Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) in Las Palmas, Gran Canaria. Diese Reise durch den kreativen Prozess ist nicht beendet, sondern geht von Ausstellung zu Ausstellung weiter, bereichert durch die Beiträge der verschiedenen Ausstellungsorte und die fortlaufende Arbeit Manuel Estradas. Die Werkschau wurde bereits zu Beginn des Jahres auf der World Design Capital Helsinki 2012 präsentiert und wird im Anschluss an Berlin nach Lissabon und Miami als nächste Stationen reisen.

Manuel Estrada (geboren in Madrid 1953) ist ein renommierter Grafikdesigner, dessen Handschrift sich am besten als konzeptuell und direkt beschreiben lässt. Er kreiert kraftvolle Bilder, die Fragen aufwerfen und zum Nachdenken anregen. Estrada gehört der zweiten Generation spanischer Grafikdesigner an, die von internationalen Designern beeinflusst wurden und einem starken kulturellen Erbe sowie funktionalem Stil verbunden sind. Estradas Arbeiten zeichnen sich durch ausdrucksvolle, farbige Designs, Spontaneität und Frische aus, die Vernunft und Intuition miteinander kombinieren. Er entwirft Corporate Identities, Logos, Designbücher und Magazincover für große spanische Verlagshäuser. Er ist Autor des Buches “Design is not the finishing touch” und seine Werke sind in den wichtigsten Designstädten der Welt, darunter Mailand, Tokio und New York, gezeigt worden. Er ist mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet worden, u.a. mit der Ehrung des European Art Directors Club.

Die Ausstellung sucht den Dialog zwischen ersten Zeichnungen, unvollendetem und vollendetem Designs. Einmal mehr bestätigt sich dabei, dass die Prozesse modernen Design nicht auf die Zeichnung und den Suchprozess nach Wörtern als essentiellen Teil kreativer Aktivität verzichten können. Wort und Zeichnung halten die Balance zwischen Gedanken und Emotionen. Für Estrada ist es ein Seiltanz: „Manchmal ist es unmöglich, das Gleichgewicht zu halten, aber das ist die interessanteste Herausforderung.“

Orte und Öffnungszeiten:

Von der Idee zum Logo ( From Idea to Logo )
designtransfer, Universität der Künste Berlin
Einsteinufer 43-53
10587 Berlin-Charlottenburg

12. April – 02. Mai 2012, Mo – Fri, 8 – 20 Uhr, 1. Mai geschlossen

Von der Idee zum Buchcover ( From Idea to Cover )
Instituto Cervantes
Rosenstr. 18-19
10178 Berlin

12. April bis 11. Mai 2012, Mo – Fr, 12 – 19 Uhr, 1. Mai geschlossen
Eröffnung: Donnerstag, 12. April, 19:30 Uhr
In Anwesenheit des Künstlers

Eintritt frei

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Der Architekt und Designer Ettore Sottsass und seine engen Verflechtungen mit dem Hause Olivetti sind Ausgangspunkt für die thematisch verwobenen Ausstellungen “Ettore Sottsass” bei Ulrich Fiedler und “Olivetti Connection” bei Hans-Peter Jochum.

Ulrich Fiedler konzentriert sich auf Ettore Sottsass’ Werk der 50er Jahre. Hans-Peter Jochum zeigt mit der Olivetti Connection ausgewählte Objekte der Architektur und Designgeschichte des Firmenimperiums, dessen Dimension und Bedeutung von Designern wie u.a. Ettore Sottsas, Ugo Sissa, Studio BBPR und Hans von Klier entworfen wurde.

HANS-PETER JOCHUM | OLIVETTI CONNECTION

OLIVETTI wurde 1908 von Camillo Olivetti in Ivrea im Piemont gegründet. Deutlichstes Zeugnis für die Dimension, die das Olivetti Imperium erreichte, ist seine Architektur und sein Design – in Qualität und Anzahl der weltweiten Firmen- und Geschäftssitze. Besondere Beispiele dieser entworfenen und gebauten Identität sind: UGO SISSAs Möbel von 1940 für die Olivetti-Bibliothek in Ivrea; der 1954 von SUDIO BBPR gestaltete OLIVETTI SHOP in New York; der 1956 von MARCO ZANUSO gebaute Firmensitz in Sao Paulo; das Ausstellungsdesign 1961 in Torino von FRANCO ALBINI; das Barcelona Geschäftshaus von1964 wieder in Zusammenarbeit mit STUDIO BBPR; verschiedene Entwurfsarbeiten von ETTORE SOTTSASS, HANS VON KLIER und ALBERT LECLERC für Olivetti ab 1973; die Zusammenarbeit mit ENZO MARI im Jahr 1968; das Corporate Identity für Olivetti von HANS VON KLIER; der Olivetti Shop in Buenos Aires von GAE AULENTI; die Residenziale Olivetti Ovest in Ivrea von GABETTI E ISOLA von 1968-1971 und der Entwurf des ersten Computers 1967 von MARIO BELLINI.

Die Ausstellung bespielt beide Galerien Hans-Peter Jochums: In der Knesebeckstrasse 54 werden Möbel und Objekte der italienischen Gestalterelite gezeigt, die für Olivetti entworfen hat, wie studio Bbpr, Marco Zanuso, Ettore Sottsass, Enzo Mari, Gae Aulenti sowie Mario Bellini. Sie haben das Erscheinungsbild von Olivetti durch Architektur, Produktdesign sowie Corporate Identity geprägt. Ugo Sissa, Maler und Architekt, entwarf 1940 die legendäre Einrichtung für die Bibliothek und den Verlag Olivetti in Ivrea. Aus diesem Ensemble zeigt die Galerie ein radikal minimalitisches Sofa mit dazugehörigem Tisch. Zwei hölzerne und bemahlte Türen des Designerkollektives BBPR werden gezeigt, die Bestandteil des Livingrooms eines der Designer war. In der Bleibtreustraße 41 sind die Möbel aus den Programmen Spazio und Arco von Studio BBPR sowie Synthesis von Ettore Sottsass zu sehen.

Ort:
Hans-Peter Jochum
Knesebeckstraße 54
10719 Berlin
und
Bleibtreustraße 41
10623 Berlin

Zeit:
13.4. – 9.6.2012
Opening 13.4.2012, 21 Uhr
Öffnungszeiten: Mi-Fr 14-18.30 Uhr, Sa 11-16 Uhr

GALERIE ULRICH FIEDLER | ETTORE SOTTSASS – CASA ASTRUA, 1955

Die berühmtesten Arbeiten Ettore Sottsass’ sind zweifellos die Möbel und Objekte, die er 1982 für Memphis entwarf. Doch die lange und fruchtbare Laufbahn des Architekten begann bereits Ende der vierziger Jahre mit Arbeiten, die noch heute nahezu unbekannt sind. Die Ausstellung widmet sich dieser frühen Schaffensphase und zeigt seine Auftragsarbeit in der Casa Astrua von 1955. Sottsass’ Vater stirbt 1954, der Architekt Sottsass senior, kurz nach seiner Fertigstellung der Villa Astrua-Grassotti in Turin. Ettore erhält den Auftrag, die Möbel für die Innenausstattung der Villa zu entwerfen. Diese Möbel zeichnen sich durch klares Design, perfekte Ausführung und ungewöhnliche Formen und Proportionen aus. Die massive horizontale Anrichte wirkt räumlich-abstrakt und erinnert an die Ästhetik von De Stijl. In der vertikalen Anrichte dagegen sind Jugendstil-Einflüsse sichtbar. Der schwarze, als Bücherregal gedachte Part des Möbels nimmt bereits die Form einiger Memphis-Designs vorweg. Geometrische und graphische Formen charakterisieren auch den Couchtisch und den Zeitungsständer. Die Bedeutung der Arbeiten diese Ära hat unlängst auch das Centre Georges Pompidou erkannt und eine Anrichte von Sottsass erworben, die aus einem weiteren Einrichtungsprojekt für Aldo Grassotti aus derselben Zeit stammt.

Ort:
Galerie Ulrich Fiedler
Charlottenstr. 68
10117 Berlin

Zeit:
27.4. – 23.6.2012
Empfang 27.4.2012, 18-21 Uhr
Öffnungszeiten: nach Vereinbarung

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“The world’s leading and largest Festival of contemporary character culture” kehrt vom 11. bis 15. April 2012 nach Berlin zurück. Das 4-tägige Pictoplasma Festival bietet mit einer Konferenz, Ausstellungen, Workshops, Performances und Parties alles rund um das Thema “Character Design and Art”.

Unter dem Label “Post-Digital Monsters” präsentiert Pictoplasma die aktuellsten Entwicklungen in der Welt des “graphic design and illustration, animation and motion graphics, painting, sculpture and urban arts”. Der Fokus liegt weniger auf klassischer Medienkunst, sondern eher auf der Arbeit von Künstlern, die mit der digitalen Kultur aufgewachsen sind und sich nun in Richtung “slow media” bewegt haben, einem shift back zum Analogen, zu Wolle, Holz, Glas, Ton und verschiedenen Zeichen- und Maltechniken ohne digitale Aspekte zu vernachlässigen.

Weitere Informationen könnt Ihr der englischen Pressemitteilung entnehmen:

“Within the Conference, 18 upcoming and established artists present their work in focused presentations. Attendees gain unique insight into production processes, artistic strategies, sources of inspiration and the intimacy shared between artists and their work. In the evenings the Babylon will also host this year’s Animation Screenings that cater to wide audiences, with many of the filmmakers present to discuss their work. For participating artists, please see the enclosure.
From its very beginning, Pictoplasma has been all about encouraging attendees to turn off their computers and share their knowledge and skills in intimate workshops – whether on drawing and bookmaking, the sewing of costumes, masks and dolls, silk-screen and wood print, pen to paper animation or toy sculpting. This year, the Character Lab further enables attendees to explore different media: linocut print, fanzine production, live drawing classes, 3D illustration or indie game development are just a few. The Character Lab will also feature further in-depth presentations, live art performances and hands-on public jam sessions. It is hosted by .HBC on the Karl-Liebknecht Straße – the former cultural centre of Hungary has established itself as jewel in Berlin’s buzzing nightlife. With an auditorium, back rooms and open foyers, it offers the perfect setting for a lively collaborative atmosphere.
As always the accompanying Character Walk will lead visitors through galleries and project spaces in the immediate vicinity. A string of 15 group and solo exhibitions, installations and public interventions will present works by artists speaking at the Conference and others. For the third time, the tour will also feature the work of this year’s Pictoplasma artist in Residency at the General Public project space, awarded by a jury.

CONFERENCE
The Pictoplasma Conference is packed with inspiration. Today’s most innovative and influential artists and illustrators, cutting-edge graphic, toy, game or fashion designers and the leading animation filmmakers share a very intimate look on their personal and professional creation. Attendees gain unique insight into production processes, artistic strategies, sources of inspiration and the intimacy shared between artists and their work. This year’s speakers include Argentinean animation virtuosos Punga; Florentijn Hofman (NL), creator of urban installations beyond proportion; Julia Pott (UK), warming the animation world’s hearts with brilliant short films; internationally recognized Uber-illustrator Henning Wagenbreth (DE); Joshua Ben Longo (USA) > workshop, character walk, responsible for the scariest soft sculptures you’ve ever considered to hug; Dutch fine artist Femke Hiemstra, creator of an endless bestiary in surrealistic paintings; Philadelphia based illustrator Andy Rementer, who creates ultimate dude-style 70s comic imagery with a subtle deadpan humor; Mark Gmehling (DE), who managed to surprise everyone with an uplifting of 3D illustration; Nathan Jurevicius (AUS), creator of the ever expanding universe of ‘Scarygirl’; Grant Orchard (UK), animation director at Studio aka, who has just been awarded with a BAFTA and is now Oscar nominated; Raymond Lemstra, whose iconic characters playfully resample iconic references such as indigenous art, Magical Realism and Bauhaus; artist duo Sauerkids (NL), who produce an ongoing mash-up of innocent childhood imagery with the mental confusion of everyday life; French art collective Jeanspezial with their colourful works; and Joel Trussell (USA), famed for his congenial videos for M. Ward, Kid606 and Jason Forrest, who has just finished directing the animated series ‘Electric City’ written by Tom Hanks.

FILM SCREENINGS
Every day of the Conference starts and ends with screenings, which present the very best Characters in Motion on the big screen of the Babylon. Pictoplasma is constantly scouting for new animated shorts, music videos, motion graphics and experimental films. Directors and studios featured are Beeple (USA), Yves Geleyn (FR), Nomint (GR), Peppermelon (ARG), Seb Burnett (UK), Studio aka (UK), Dean Fleischer-Camp (USA), Delphine Dussoubs (FR), Kristofer Ström (SW), Mirari & Co (JP), Passion Pictures (UK). Many of the filmmakers are present at the festival to discuss their work after the screenings.

CHARACTER LAB
From its very beginning, Pictoplasma has been all about encouraging attendees to turn off their computers and get their hands dirty. Participating artists share their knowledge and skills in the concentrated atmosphere of intimate workshops – whether on drawing and bookmaking, the sewing of costumes, masks and dolls, silk-screen and wood print, pen to paper animation or toy sculpting. This essential part of the programme is now being intensified: The Character Lab will open its doors every afternoon at nearby .HBC. The former cultural centre of Hungary has established itself as jewel in Berlin’s buzzing nightlife. With an auditorium, back rooms and open foyers, it offers the perfect setting for a lively collaborative atmosphere. Conference speakers share their knowledge in concentrated classroom settings. Experts allow hands-on experience with special techniques, and everyone is invited to get their hands dirty in open jam sessions. With a restaurant inside the .HBC, no one has any excuse to leave before the early morning.
The Canadian collective Bee Kingdom will present the art of glass blowing, with live demonstrations at its nearby workspace; sound designer David Kamp (DE) will not only give an in-depth presentation on how to add the audible magic to animation, but also host live figure drawing sessions with his sound creatures as models; Mark Gmehling (DE) will instruct illustrators on how to translate their drawings into 3D rendered works; Nathan Jurevicius (CAN) shares his experience on indie game development; French collective Jeanspezial will teach how to work with the technique of linocut; and Andy Rementer (USA) will enable attendees to preserve the visual output in a well crafted fanzine. In addition to these and other sessions, the Character Lab will host live art performances by many of the participating artists and enable all to release their creative energy in collaborative drawing sessions. All this will lead to a glorious finale at the Characters In Every Corner party on Saturday night.

CHARACTER WALK
The Character Walk reclaims the urban landscape and invites a broad audience to explore 15 diverse gallery exhibitions, installations and project spaces in the heart of the city. In addition to the selected shows by international artists, the Pictoplasma Residency offers one upcoming talent the chance to present his or her work at the renowned General Public artspace. Further urban interventions make the Character Walk a lively field of activities. Featured exhibitions are by artists speaking at the Conference:
Andy Rementer, Julia Pott, Mark Gmehling, Sauerkids and Joshua Ben Longo will present selections of recent works. The eight members of art collective Jeanspezial will each present an interpretation of Johannes Vermeer’s painting ‘La Laitière’. Ben Newman (UK) will install a series of his geometric masks in wood, felt and as prints. And Pictoplasma presents works that have recently been featured in the ‘Post- Digital Monsters’ show at La Gaîté lyrique in Paris: South African artist Jordan Metcalf with his mysterious drawings, mini- embroideries of Yetis meet Start Wars by Megan Whitmarsh (USA), paintings of creatures in the woods by MYMO (DE), elaborate pencil and acrylic drawings of birds by Nick Sheehy (AUS), a knitted sculpture and tapestry by Nina Braun (DE), and more gestalten in watercolour by Overture (JP/US), pencil drawing by Raymond Lemstra (NL) and pen on paper by Rina Donnersmarck (DE).”

Zeit:
11. bis 15. April 2012

Orte:
Kino Babylon, .HBC und 20 Galerien

BerlinDesignBlog ist Medienpartner des Pictoplasma Festivals Berlin 2012.

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Das bekannte dänische Einrichtungsunternehmen HAY eröffnete letzte Woche seinen ersten deutschen Store in Berlin. Die einzigartige Ausstellung präsentiert in den Räumen des Stil-Geschäfts „marron“ exklusive Möbel-Designs, Wohn-Accessoires der neusten HAYKollektionen.

Firmengründer und Namensgeber Rolf Hay begrüßte die rund 150 geladenen Gäste persönlich in den Räumen der Berliner Stil-Experten Sandra Baumer und Thomas Schultz. Das von den beiden Designern seit 2007 geführte Ladengeschäft marron wird den HAY Store für die kommenden Monate beherbergen. „Wir stellen bewusst unsere Produkte und nicht die Marke HAY in den Mittelpunkt. Die zu Designs von außergewöhnlicher Qualität verarbeiteten Materialien tragen eine erkennbare Handschrift, sie haben alle eine eigene Identität”, so Rolf Hay bei der Eröffnung.

Das 2003 im dänischen Horsens ins Leben gerufene Einrichtungsunternehmen HAY interpretiert das legendäre skandinavische Möbeldesign der 50er und 60er Jahre und entwickelt es in einem ungewöhnlich frischen und modernen, zeitgemäßen Kontext weiter. Die Designer um Gründer Rolf Hay arbeiten mit dem Anspruch, eine besondere Formsprache mit der Beständigkeit von Architektur und der Dynamik der Mode zu verbinden. In den zeitgenössischen Kollektionen, entworfen von jungen skandinavischen und international bekannten Designern, tauchen immer wieder neue Materialien und Herstellungsmethoden auf.

Zeit:
montags bis freitags von 11 – 19 Uhr
samstags von 11 – 18 Uhr

Ort:
HAY Store c/o marron
Auguststrasse 77/78
10117 Berin

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Das Bröhan Museum Berlin zeigt vom 29. März bis 20. Mai 2012 die Kabinettausstellung Um die Schönheit mit Werken des Berliner Architekten und Formkünstlers des Jugendstils August Endell.

August Endell gehört neben Otto Eckmann und Henry van de Velde zu den Hauptvertretern des Jugendstils in Berlin und zählt unbestritten zu den Protagonisten des Deutschen Jugendstils überhaupt. Trotzdem wurde Endell bisher nur wenig Aufmerksamkeit in der Forschung und öffentlichen Wahrnehmung zuteil. Die Kabinettausstellung im Bröhan-Museum beleuchtet nun das Gesamtwerk des Künstlers mit dem Schwerpunkt auf den Berliner Jahren. Es ist die erste Ausstellung zu Endell in Berlin überhaupt.

Die Kabinettausstellung im Bröhan-Museum zeigt einige Arbeiten Endells (Raumkunst und Grafik) aus dem Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg sowie aus dem Bestand des Bröhan-Museums. Auch Stuckelemente aus dem von Endell entworfenen Haus am Steinplatz, Berlin, sind zu sehen. Des Weiteren Originalschriften, z. B. Endells Buch „Um dieSchönheit“aus dem Besitz der Akademie der Künste Berlin, sowie kunsthistorische Fachzeitschriften mit Artikeln von und über Endell aus den Beständen der Berliner Universitätsbibliotheken und dem Bröhan-Museum. Darüber hinaus wird die breite Entwurfstätigkeit Endells vor allem durch Fotografien und Reproduktionen dokumentiert. Kabinettausstellung und Begleitpublikation gehen zurück auf eine Internationale Tagung des Kunsthistorischen Instituts der Freien Universität Berlin im April 2010. Die Ausstellung ist eine Kooperation der Freien Universität Berlin mit dem Bröhan-Museum und wurde, wie auch die Publikation, durch die Ernst von Siemens Kunststiftung München gefördert.

Die umfangreiche wissenschaftliche Begleitpublikation stellt den neuesten Stand der Forschung zum Architekten und Formkünstler dar. Als typischer Künstler der Lebensreformbewegung um 1900 war August Endell vielseitig tätig: Er arbeitete als Architekt, Innenarchitekt, Formkünstler, Kunsttheoretiker und Kunstschulreformer. Mit seinem architektonischen Erstlingswerk des Fotoateliers Elvira in München schuf er 1898/99 ein Hauptwerk der neuen Architektur. Nicht in der bayerischen Metropole, sondern in Berlin, wo er von 1901 bis 1918 lebte, entstand der größte Teil seiner Arbeiten. Hier vollzog er die Wende von der expressiven Ornamentik des „Wolzogen-Theaters“ über die in der Formgebung beruhigten Hackeschen Höfe hin zur sachlich-funktionalen Werkbund-Moderne der Trabrennbahn in Mariendorf.

Ort:
Bröhanmuseum
Schloßstr. 1a
14059 Berlin

Öffnungszeiten:
Di bis So von 10 bis 18 Uhr und an allen Feiertagen

Eintritt: 6,- €, erm. 4,- € (inkl. Eintritt Dauerausstellung), jeden ersten Mittwoch im Monat Eintritt frei

Bild:
August Endell
Hackesche Höfe, Berlin-Mitte
Foto: Michael Imhof Verlag

Mehr über das Bröhan Museum auf BerlinDesignBlog

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Brazilien Design – Klassiker der Moderne und zeitgenössische Avantgarde ist die umfassendste aller bisher in Europa gezeigten Ausstellungen brasilianischen Möbeldesigns. Das stilwerk Berlin und die Galerie Zeitlos präsentieren Schätze aus einer Privatsammlung von Objekten der Moderne, ergänzt und erweitert durch Stücke heutigen Designs.

Die Ausstellung stellt rund 60 Exponaten folgender Meister vor:
Moderne: Lina Bo Bardi, Paulo Mendes da Rocha, Oscar Niemeyer, Sergio Rodrigues,Joaquim Tenreiro, Jorge Zalszupin, José Zanine Caldas und Cimo. Contemporary: Rodrigo Almeida, Campana Brothers, Brunno Jahara, Sergio Matos, Carlos Motta, ,Ovo, Maneco Quinderé, Domingos Tótora, Zanini de Zanine.

Oscar Niemeyer, 1907 in Rio de Janeiro geboren, wandte sich während seines Exils im Frankreich der 70er Jahre dem Möbeldesign zu. Er benutzte Sperrholz, das es ihm erlaubte mit einfachen Strukturelementen neue Formen zu entwickeln. So entstanden die für ihn typischen Möbel mit runden Formen und kurzen Stützen. In der Ausstellung wird nicht nur die weltbekannte Chaiselongue „Rio“, mit ihren Kurven der Inbegriff brasilianischer Sinnlichkeit, zu sehen sein, sondern auch ihr selten gezeigtes Gegenstück „Praiana“. Niemeyer bewunderte den gebürtigen Portugiesen Joaquim Tenreiro (1906-1992), der als Begründer des modernen brasilianischen Designs gilt, und stattete seine Bauten mit dessen Möbeln aus. In Berlin werden für ihn typische Möbelstücke aus fünf unterschiedlichen Tropenhölzern zu sehen sein.

Entspannte Eleganz vermitteln die Klassiker von Sérgio Rodrigues, der heute noch mit 84 Jahren Möbel zwischen Tradition und Moderne entwirft. Sein Möbelgeschäft Oca, 1955 in Rio eröffnet, wurde rasch zum Treffpunkt der künstlerischen Avantgarde, in dem der Begriff des „Modernen Brasilianischen Designs“ geprägt wurde. Zu entdecken sind zudem hervorragende Stücke der Architektin, Designerin, Bühnenbildnerin und Verlegerin Lina Bo Bardi, des Pritzker-Preisträger aus dem Jahre 2006 Paulo Mendes da Rocha sowie von Jorge Zalszupin, der in Polen geboren und in Rumänien ausgebildet, 1949 nach Brasilien kam und von José Zanine Caldas, der sich bereits in den 60er Jahren in seinen Möbeln mit der Zerstörung der Umwelt in Brasilien und des Regenwaldes auseinandersetzte.

Die Weiterentwicklungen in die Gegenwart mit ihrer Leichtigkeit und einem gewissen Hang zum Überfluss in den Materialien zeigen die heute in Brasilien arbeitenden Designer Rodrigo Almeida, Campana Brothers, Brunno Jahara, Sergio Matos, Carlos Motta, ,Ovo, Maneco Quinderé, Domingos Tótora und Zanini de Zanine.

Kuratoren der Ausstellung Brazilian Design – Klassiker der Moderne und zeitgenössische Avantgarde sind Luciana Nemer Wiegmann für den Moderne-, und Zanini de Zanine für den zeitgenössischen Teil. Die meisten Exponate stammen aus einer Privatsammlung. Die Ausstellung markiert den Ausgangspunkt einer neuen und spannenden Zusammenarbeit zwischen der Design-Galerie Zetlos-Berlin und ihrem brasilianischen Partner Vanishing Points.

Bei der Eröffnung der Ausstellung am 22.3.2012 werden Zanini de Zanine, Carlos Motta, ,Ovo, Maneco Quinderé und Domingos Tótora anwesend sein.

Ort:
Modern : Design Galerie Zeitlos – Berlin im stilwerk Berlin, 3. Stock
Contemporary : in der stilwerk Berlin Mall, Erdgeschoß, Eingangsbereich
Kantstraße 17
10623 Berlin – Germany

Zeit:
23.3. – 5.5.2012
10 – 19 Uhr (Mo – Sa)
Eröffnung: 22.3.2012 | 19 Uhr

Bild:
OSCAR NIEMEYER & ANA MARIA NIEMEYER
Rio Chaise | 1978-1979
Laminated wood and straw mesh

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